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图为《黑神话：悟空》场景原画（局部）。当数字浪潮让游戏化身“第九艺术”，成为全球年轻人共通的语言，游戏的价值便已超越消遣。近日，“黑神铸炼——《黑神话：悟空》艺术展”以一场虚实共生的视觉盛宴点亮中国美术学院美术馆的展厅。在这个展示过汇集顶流宋画的“宋韵今辉”艺术特展、中西融通现象级大展“赵无极百年回顾特展”的国家重点美术馆，中国神话以全新的姿态焕发活力——这不仅是一场游戏艺术的展览，更是一场数字时代的策展实验，一场跨越时空的文化对话。本次展览以《黑神话：悟空》为主体，在实体空间重现游戏中的经典叙事与场景，探索当代美术展览的叙事逻辑与文化表达新范式。从直面天命的恢弘意境，到人、神、妖、魔的细腻塑造，观众可以深度了解制作团队如何挖掘、传承中华优秀传统文化，感受技术革新带来的文化活力。展览开启关于神话叙事、东方美学与数字文化未来的探索之旅，成为独具匠心的西游新解。历史长河中，敦煌壁画曾将佛教故事转化为东方美学符号，宋元山水画以笔墨构建起中国人的精神栖居所，而今，数字技术为解码文化基因提供了全新维度。从传统戏曲的虚拟现实化，到非遗内容的区块链存证，现代技术正将文化基因转化为可编辑、可交互、可衍生的数字载体。这种转化不是简单的形态迁移，而是让传统符号在当代语境中得以“起心动念”。当广袤大地上的庙宇楼阁与来自神话传说的故事经过艺术创作重新编码，这一切便不再是凝固的符号，而是动态演化的“文化基因库”，经典也由此重获新生。伴随艺术在文化基因库的数字土壤中生根发芽，其中凸显的中华文化辨识度，也成为中国故事全球传播的密钥。技术革命从来都是艺术破界的催化剂。透视法的发明重塑了绘画空间，摄影术的诞生催生了印象派的色彩革命，数字时代的技术发展则带来虚实共生的体验革命。长久以来，文化、技术与艺术共同编织着人类文明的图景，技术成为艺术的画笔，艺术成为文化的容器。展览中，实景扫描的佛教造像与《黑神话：悟空》中的数字场景相互映照，虚实交汇处，观众既可近距离感受角色塑像的质感，又能沉浸于“历史游乐场”式的现场体验。今天，在艺术创作中融入数字技术，不是对传统的消解，而是为其注入当代的呼吸，插上文化的羽翼，使其在数字炼丹炉中产生新的“化学反应”。艺术的边界拓展，最终要靠人才打破思维茧房。北宋画院通过“诗题取士”培育文人画传统。今天，中国美术学院通过构建“艺理兼通、科艺融合”的教学体系，让文化的基因密码在跨学科熔炉中淬炼新生。这场展览，既展现了“第九艺术”魅力和科艺融合创新实践，亦是高等艺术教育转型的缩影，揭示人才培养中通才与专才融通的重要意义。早在数字艺术发展伊始，中国美术学院就前瞻性地设置了涵盖传统绘画与数字艺术的跨学科课程体系，为培养复合型艺术人才奠定基础。正因如此，从游戏《黑神话：悟空》到电影《哪吒之魔童闹海》，近年来国产游戏、动画的崛起过程中，一直都有国美学子的身影。当观众在展厅中重新思考“何为中国神话”时，艺术教育的终极使命——唤醒审美感知力与文化创造力，已悄然实现。每一次艺术的破界，都是在文明演进中开辟新境。见证艺术破界之力，探讨“经典何以不朽”的文化命题，有助于新一代创造者与教育者在身体力行中，共同开启创想力的远征。（作者宣学君为中国美术学院动画与游戏学院副院长）《人民日报》（2025年04月27日08版）

图为清华大学科学博物馆“人机共生：未来艺术的共创”画展海报。正如19世纪摄影术的诞生，标志着人类社会图像时代的到来，20世纪AI（人工智能）技术的诞生，正在开启图像视觉智能时代。如果说，摄影术是物理现实的照相机，那么AI就是人类思想的显像仪——通过文字口令，捕捉显意识的逻辑轨迹，呈现潜意识的情感暗流。这种显像仪会对美术创作带来怎样的影响？近些年，AI艺术展览的频频举办吸引大众关注。我也尝试用AI进行美术创作，试图在实践中探索AI对人类文化的影响。随着生成式AI技术的快速发展，我的创作进入新阶段——每天利用生成式AI技术完成一幅作品。这期间，我不断积累与AI互动的经验，探寻AI绘画与传统绘画的平衡点。最初进行AI绘画时，其高效、高产的特质让我倍感震撼。但很快我便发现，这样的创作快感并不可持续。渐渐地，当AI将我的知识和想法转化为缺乏温度的数据和信息时，我开始对它产生质疑。重新回到画布前，通过笔、墨、纸的交融把心、脑、手打通时，我再次确认，传统绘画是一种释放情绪的体验，是人类进行认知活动的一种仪式，现场创作的神圣感、精神性是AI难以替代的。AI绘画有自己独特的拓展空间。当前，脑机接口正在突破生物认知的边界，渐冻症患者通过神经信号作画，其作品的情感浓度是常人的3倍。类似实验证明，AI不仅可以成为思想的显像仪，或许还可以成为认知的望远镜——让我们看到思维从未展现过的光谱波段，为美术创作带来更多可能。比如，社交媒体语料对集体潜意识的过度“显影”，形成AI幻觉，这实际上激发了另一种创造力，使AI绘画成为一场充满惊喜的思维碰撞。作为工具，AI不能替代人这个创造主体。欲用好AI，创作者一方面要有发现、提出问题的能力；另一方面要有丰富的知识结构、多维的跨界经验、包容的思想理念、深厚的艺术底蕴，以及对语言、信息的精妙编织与解码能力。当然，无论是AI绘画还是传统绘画，都需要创作者深入生活，把握时代脉搏。在我的AI绘画中，很多创意、指令都来自现实生活，创作者要有把“日常”变成“异常”的能力，避免作品流于平庸。当算法将《清明上河图》转化为数字编码时，当计算机模拟出上百种决策路径时，我们如何避免技术的强光灼伤思想的本质？答案或许藏在中国水墨画“留白”的智慧中：最好的显影术懂得保留银盐颗粒间的呼吸缝隙。在AI将人类思想无限解析的时代，我们更需要守护那些无法被捕捉的认知暗区——那些游移在语义边缘的直觉，那些在逻辑断裂处绽放的灵光。将人的感性、思绪与AI的理性、技术更好融合，AI绘画才会焕发新的光彩。（作者为湖南省美术家协会副主席舒勇）《人民日报》（2025年04月27日08版）

在礼赞劳动、致敬劳动者的节日——五一国际劳动节即将来临之际，各类劳动主题美术作品展汇聚馆藏经典、当代新作，以劳动者形象为主体，铺展一幅热烈壮美的劳动画卷，引人思考劳动美学的深度与广度。劳动是艺术创作的重要主题。中外艺术殿堂中，闪烁着永不熄灭的劳动之光。南宋李嵩的《货郎图》，让市井烟火气在美术史册中升腾；法国米勒的《晚钟》，以暮色中一对农民夫妇的身影开启现实主义新篇；罗中立的《父亲》，用沟壑纵横的面庞诉说土地的史诗；詹建俊的《潮》，借助旋转的笔触和纪念碑式的构图，体现改革浪潮中的劳动者新风貌……这些艺术经典通过对劳动者的形象塑造，镌刻下人类文明的里程碑。新时代，科技发展和社会变革赋予劳动新的内涵，美术工作者以此为依托，推动这一主题创作向着更加紧密连接现实的方向拓展。在新的时代语境下，美术工作者认真体察社会变迁，从多元视角刻画各行各业奋斗在一线的筑梦人，用艺术真实营构情感真实。例如，马蕾、张彩翼合作的蛋彩画《呦呦鹿鸣》，表现了屠呦呦带领团队进行科研的工作场景，画面如实验室的玻璃器物般透明，折射出纯净的理想之美。陈治、武欣合作的中国画《尖峰食刻》，聚焦餐馆后厨备餐时忙碌有序的劳动场景，在烟火日常中构建生活美学。一个个在平凡岗位续写不平凡故事的“他”，共同构成新时代新型劳动者图谱。不少美术工作者跳出已有模式，或升华立意，或创新叙事方式，使不同的形象传递不同的文化意义。创作者或以象征性的手法和充满现代美感的笔触，表现劳动者与土地的深层关联；或以跨时空的科学家群像刻画，展现时代精神的变迁；或以丰碑式的构图，彰显消防救援人员等城市英雄坚毅与顽强的意志。这些作品力求突破表象描绘，将劳动精神投射到更深刻的社会情感价值认同之中。不同时代有不同的审美表达，美术工作者不断开辟劳动美学新境。上世纪60年代，以王文彬油画《夯歌》为代表的一批佳作，用明快的色调、富有动感的构图、健美的人物形象，传递劳动的喜悦和建设美好家园的信念，充分展现了“力量美学”。改革开放初期，以广廷渤油画《钢水·汗水》为代表的一批佳作，用钢铁、汗水、建筑、齿轮等视觉符号，折射工业化进程，连缀起“工业美学”的诗篇。新时代的劳动题材美术创作，则通过对芯片维修工指尖的凝视、对机械臂运动轨迹的思考、对快递寄送员情绪波动的体察等，拓展观察视角，丰富艺术表达。在虚实共生的艺术世界里，美术工作者深入挖掘劳动者在科技文明、数字文明中的主体意识和精神需求，回归生命体验和人文关怀，同时尝试围绕“生态美学”“空间美学”“科技美学”“数字美学”等维度展开柔性表达，努力创造劳动美学新形态。生命不息，劳动不止。深植时代生活和劳动精神的美学表达，必将更加丰富多元。（作者为北京画院研究员马明宸）《人民日报》（2025年04月27日08版）

图一图为“星火归聚：现代版画会与第二回全国木刻流动展”展厅一景。广州美术学院供图美术创作如何凝聚民族精神力量？近期，在广州美术学院美术馆举办的一场小而美的展览——“星火归聚：现代版画会与第二回全国木刻流动展”，通过一件件作品与文献，缓缓拉开抗战美术的序幕，带领观众回到新兴木刻运动蓬勃兴起的年代。90年前，1935年5月，电影《风云儿女》在上海首映，由田汉作词、聂耳谱曲的主题歌《义勇军进行曲》迅速传遍大江南北；年底，青年版画家李桦的木刻作品《怒吼吧！中国》（见图一）问世，并于次年参加由广州现代版画会主持的“第二回全国木刻流动展览会”，先后在多地巡展。两个形式迥异的艺术作品，传达着一个共同的时代呼声，那就是“中华民族到了最危险的时候，每个人被迫着发出最后的吼声”。今年是中国人民抗日战争胜利80周年，在聆听和齐唱国歌《义勇军进行曲》之际，重温《怒吼吧！中国》这幅经典木刻，格外有意义。因为通过它，我们同样能听到历史深处的回响。在这幅高20厘米、宽约15厘米的木刻里，李桦用粗壮饱满的阳刻线条，有力刻画出一位被缚男子的刚烈挣扎。作品构图简练，造型鲜明，气势夺人。左下角锋利的匕首，在态势上成为被缚者紧绷的手掌的延伸，同时也激发我们作为观看者的一个强烈愿望，那就是希望被蒙住双眼的他，能一举抓到这个武器，我们甚至想要直接告诉他，匕首近在咫尺！这幅木刻的艺术效果之一，就是把“观看”或者说“视觉”这个经验问题化了。准确地说，视线被切断了，声音取而代之。从被缚者那大张的口中，我们能够想象甚至听到他愤怒的吼声，体认、感受他激烈的情绪。声音，成为这幅木刻所要刻画和传达的对象。以视觉艺术语言表现非视觉元素，恰是这件作品的创作难度和成功之所在。在这个意义上，李桦的这幅代表作和20世纪初以德国为中心的表现主义艺术有着深厚的血缘关系。在世界各地的艺术青年中激起巨大回响的表现主义运动，是对狂放不羁、赤诚刚烈的现代创造主体的肯定，其精神诉求和呐喊姿态，给众多艺术形式——从木刻到电影，从文学到戏剧再到音乐，带来了崭新的能量和面貌。正是在表现主义风格的木刻里，鲁迅有感于一种“力之美”和新的艺术理念，进而呼吁艺术家们要以刀代笔，在木板上直抒胸臆，横扫追求精致小巧的颓唐之风，为现代中国创造新的大众艺术。《怒吼吧！中国》所体现的表现主义美学，其所包含的由“看”向“听”再向“喊”的观念递进，也清晰地反映在这幅作品的标题上。这里被要求放声怒吼的，显然不是画面上已经在大声疾呼的男子，而恰恰是画前的观众；浑身赤裸、双眼被蒙的受难者，也并不能被径直看成是“中国”的具体形象或再现，而是借以唤起民族自觉、自尊、自立的艺术造型和象征。“中国”在这里并不是写实意义上的呈现，而是一个需要被唤醒，需要以自己的声音和行动来确认集体存在、展现新面貌的命运共同体。自20世纪初，“唤醒中国”作为一个激动人心的主题和愿景，就一直激励着一代又一代的中国知识分子和艺术家们。上世纪20年代初给这个主题命名的是铁捷克，一位曾在中国教书、游历的苏联剧作家。他创作的话剧《怒吼吧，中国！》于1926年在莫斯科首演，随后在全球多地演出。有感于这部剧作的巨大冲击力，剧作家田汉当时就提出中国人不仅要自己来演《怒吼吧，中国！》，更要创造出自己的“叫喊的艺术”！在一个更宽广的历史背景里，木刻《怒吼吧！中国》高度概括了一个大的时代变迁，即五四时期充满焦灼和惶惑的个人“呐喊”，到20世纪30年代成为日益高涨的民族“怒吼”。伴随或者说推动着这个时代变迁的，是新的声音经验与听觉想象，是新的大众文化。于上世纪30年代迅速兴起、具有强大政治动员力的抗日救亡歌咏运动，便是这种新的大众文化最具代表性的形式之一。而当时的抗日救亡歌咏运动中最受欢迎的一首歌曲，就是1935年随着电影而诞生并广泛传播的《义勇军进行曲》。《怒吼吧！中国》不仅表现、记录、奏响历史强音，更要求我们从静态的观看者转为积极的发声者、呼喊者。从文学到绘画，从日报到期刊，从留声机到无线电，现代的传播媒介和技术塑造了现代中国人视觉和听觉的环境及经验。“怒吼吧！中国”，作为反侵略反压迫的集中表达，也作为一个集合多种媒体的文化事件，将不断回荡在我们耳畔，成为穿越时空、历久弥新的精神力量。（作者唐小兵为香港中文大学文学院教授）《人民日报》（2025年04月27日08版）

土灶生起柴火，烧开一锅清水。老布袋装满一袋雪白的蚕茧丢进水中，40分钟后捞出。清水丝绵加工技艺代表性传承人张静惠（见图，受访者供图）取出一个煮过的茧子，放在冷水中轻轻晃动，灵巧的手指很快找到了茧子的收口处，双手一撑一翻，蚕蛹剥出，茧子变成了一张丝绵。张静惠是浙江嘉兴桐乡市人，2018年，她辞去上海高薪工作，回老家创业，租下2.5万平方米的空地后，建起了蚕房、工作室，种下了一片桑园。“种桑养蚕、做蚕丝被和一些丝绸产品，基地还能让人体验种桑养蚕的过程。我希望能让人更直观、深入地理解江南传统的蚕桑文化。”张静惠说。杭嘉湖平原是中国蚕桑丝织的发源地之一。2008年，杭州余杭区率先申报清水丝绵制作技艺列入第二批国家级非物质文化遗产。2009年6月，嘉兴桐乡市将清水丝绵加工技艺列入本市非物质文化遗产代表性项目。同年9月，中国蚕桑丝织技艺入选联合国教科文组织人类非物质文化遗产代表作名录，清水丝绵制作技艺是其中重要的子项目。受城市化进程和经济发展影响，大量桑地被改作他用，年轻人不再养蚕，历史上的蚕乡丝府无法保留传统的民俗。张静惠说，在她小时候，收茧子的季节，每家主妇都在门口剥茧，过道的竹竿上晒着一张张剥好的丝绵网。这些丝绵是做丝绵被的原料，在当地，这是婚嫁时最重要的陪嫁。每个母亲都会一年年剥茧、攒丝绵，等女儿出嫁时为她送嫁。这些老手艺逐渐消失，跟经济效益相关。一个主妇忙一天，最多只能剥两斤干茧。现在丝绵被都用机翻丝绵，效率成倍提高。最近，张静惠接到了国外内衣商的订单，对方偶然看到她的制作清水丝绵的视频后找过来，用高于民间十几倍的价格收购手翻丝绵片。在当地，传承这门手艺的工匠也都年过古稀，因此辗转来中国寻找产品。“要剥出高品质的丝绵，从养蚕开始要步步细化，仔细喂养和防护，避免蚕儿生病，快上山的蚕要养在干干净净的方格纸上，叶子及时清理，以免茧子碰到发黄。”张静惠介绍，只有健康的蚕才能养出雪白的茧子，化成蛹之后摇一摇，会发出清脆的丁丁响，这样才能剥出高品质的丝绵。翻丝绵同样要求很高。煮好的茧子连袋用清水反复冲洗，把煮茧的碱、残余的蛹油冲得干干净净，丝绵才能洁白。接下来是做“小兜”和“大兜”，从最薄处把茧子剥开，去掉蚕蛹，把茧子扯大套在手上，这叫“小兜”。再把“小兜”绷上绵括，把粘在上面的蚕蛹壳等杂质拣干净，再一点点扯匀，扯成一个厚薄均匀的丝绵壳，这叫“大兜”。张静惠说，曾是家家户户都做的老手艺，想不到也是国外追捧的奢侈传承。作为设计师，张静惠从民间收来的老一辈压箱底的老土布、粗绸布，设计成时髦的禅服、茶人服；把采桑养蚕、手工剥茧抽丝、老纺机纺丝织布、用当地非遗蓝印花布印染技艺印出图案，再做成服装，全过程呈现在网上。现在，张静惠在公众号、直播间的粉丝已有几十万。张静惠说，她和伙伴们努力的方向，就是让更多人看见江南老手艺，喜欢老手艺，让传承江南地区几千年的蚕桑文化更时尚、更有生命力，更好传承下去。（记者 顾 春）《人民日报》（2025年04月27日07版）